Nueva York (USA). ROMÁNICO EN NUEVA YORK

Uno de los alicientes del viaje a esta gran ciudad en el verano del 2019, era la visita a The Cloisters MET (Museo de Los Claustros), un espacio único en el mundo, donde los amantes del Arte Medieval, y en concreto del Arte Románico, podemos disfrutar de unos espectaculares fondos en un entorno que nos transporta directamente a la propia Edad Media.
No podríamos tampoco dejar pasar la ocasión de visitar las salas dedicadas a la Edad Media en el MET (Metropolitan Museum of Art).
Como ya podéis imaginaros, ambas visitas no nos decepcionaron. No os las perdáis si en algún momento os encontráis dando una vuelta por La Gran Manzana.


THE CLOISTERS MET

Forma parte del MET (Metropolitan Museum of Art), su inauguración data de 1.938 el MET CLOISTERS (Los Claustros) es el único museo de los Estados Unidos cuyos contenidos están dedicados en exclusiva al arte y la arquitectura de la Edad Media.
Sus instalaciones están situadas en el Fort Tryon Park, al norte de Manhattan, un entorno desde donde podemos disfrutar de unas vistas preciosas del río Hudson.
El museo debe su nombre a sus cinco claustros medievales, cuya función es ser nexo de unión entre las distintas salas, y en ellos encontramos zonas para el descanso y la observación, en definitiva, los mismos fines para los que estaban diseñados en sus lugares de origen.
Las edificaciones de The Cloisters no imitan un tipo de construcción medieval en particular, se diseñaron para evocar la arquitectura de la Baja Edad Media. Dentro de sus magníficas instalaciones, se exponen creaciones en metal, pintura, escultura y textiles.

Un poco de la Historia de The Cloisters:

Se puede considerar a George Grey Barnard (1863-1938) el creador/promotor de el MET CLOISTERS.
Barnard, escultor estadounidense, discípulo de Rodin, durante sus años de trabajo en Francia, aparte de desarrollar su faceta plenamente artística, localizaba y vendía esculturas medievales y fragmentos arquitectónicos que habían caído en las las manos de los más variados personajes, como consecuencia de varios siglos de revueltas políticas y religiosas. Barnard, de por sí con un concepto bastante romántico de su existencia, se consideraba un aventurero moderno y embellecía los relatos de sus numerosos hallazgos con detalles fantásticos.

Con su regreso a los Estados Unidos en vísperas de la Primera Guerra Mundial, lleva a cabo su idea de mostrar a los estadounidenses su colección de arte medieval, e inaugura un museo en el extremo norte de Manhattan con el nombre de George Grey Barnard’s Cloisters
Según su idea, su proyecto perseguía que los jóvenes escultores de su país encontrasen inspiración en lo que él llamaba “el paciente cincel gótico”.
Aquella edificación parecida a una iglesia, no era el marco adecuado para la exposición de las distintas obras de arte, en cambio, sí conseguía expresar la visión poética y personal del artista sobre la Edad Media. De hecho, fue una instalación influyente e innovadora en su época, pues constituyó la primera exposición de arte medieval en Estados Unidos.

En 1924 cuando Barnard’s Cloisters se pone en venta , John D. Rockefeller, Jr. (1874-1960) aportó los fondos que permitieron al MET adquirir el museo y sus colecciones. El mecenas, también cedió al MET más de cuarenta obras de arte medieval de su propiedad.
Como era habitual en aquella época entre las clases más adineradas, Rockefeller sentía fascinación por el arte antiguo. En concreto, la destreza que implica el arte medieval, así como la espiritualidad que mostraba, resultaban fascinantes a este filántropo y coleccionista.

En 1927, el MET llega a la conclusión de que se necesita un edificio más grande para su sucursal medieval, uno que permita exponer la colección de un modo más riguroso. Rockefeller se ofrece a financiar la transformación de 66,5 acres de tierra al norte del museo existente en un parque público (Fort Tryon Park), con la creación del nuevo Cloisters como su principal atractivo. Para garantizar la belleza de este lugar, y que siempre se conservaran las preciosas vistas desde The Cloisters, Rockefeller donó también terrenos adicionales al estado de Nueva Jersey para que se incorporaran al Palisades Park, en la orilla opuesta del río Hudson.

Junto con Rockefeller, Los tres hombres que dieron forma al museo, tal como lo conocemos hoy en día, fueron Charles Collens (1873-1956), Joseph Breck (1885-1933) y James Rorimer (1905-1966).
Tomando como base el primitivo ejemplo de Barnard, otorgaron al proyecto un nuevo nivel de erudición y pericia.
Collens, fue el arquitecto, ya que era uno de los más destacados practicantes del estilo neogótico y muy valorado por su diseño de la iglesia Manhattan’s Riverside Church. Sin querer realizar un edificio medieval convencional, Collens diseñó una construcción medieval, reproduciendo sus proporciones y estilos.

Breck, experto en artes decorativas y subdirector del MET, basó su trabajo en el interior del museo y tuvo en cuenta tanto los diseños de Collen como la rigurosidad histórica, para crear en el museo unos recorridos lógicos desde el período románico al gótico.
Debido a la muerte repentina de Breck en 1933, Rorimer le reemplazó. Era un buen negociador, trabajó junto a Rockefeller y encabezó el proyecto hasta el final de la construcción del museo.

En la actualidad, las obras de Barnard’s Cloisters y aquellas donadas por Rockefeller, tales como los famosos tapices que representan la caza del unicornio, permanecen en el Met Cloisters, pero el museo continúa ampliando su colección de arte medieval,

El Met Cloisters también es célebre por sus tres jardines, el Judy Black Garden, en Cuxa Cloister, y los jardines en Bonnefont y Trie Cloisters, que fueron diseñados como un valor adicional, y que aún hoy, llaman la atención y, junto con los edificios del museo, forman un conjunto que sirve para aumentar la comprensión que los usuarios de este espacio adquieren de la vida en la Edad Media.

A continuación os dejo un pequeño resumen de nuestra visita. Sería imposible reflejar en este humilde blog todas las obras existentes en The Cloisters pertenecientes a la época románica.



Arco de Narbonne (l.anguedoc-Rosellón. Francia). Siglo XII

Arco de Narbonne. Francia (S.XII)

Este arco de medio punto muestra siete dovelas decoradas con ocho animales reales y fantásticos, la mayoría de ellos descritos en bestiarios medievales (textos recopilados en el siglo XII describiendo tales criaturas y explicando su moral y asociaciones religiosas)

Buscando su procedencia, se puede encontrar el paralelo más cercano al estilo de talla del arco, en los capiteles de la nave de la iglesia de San Pablo (mediados del siglo XII ) en Narbona, pero la ubicación original del arco se desconoce.

Si acercamos la mirada a cada uno de los animales, vemos que todos están tallados dramáticamente, y muchos muestran una energía salvaje a través de sus rostros expresivos, agazapados: algunos de ellos con los pies casi deslizándose fuera de los marcos y girando colas y cuellos. La talla incluso muestra algo del carácter de cada criatura. Podemos ver de izquierda a a la derecha:

-       Una mantícora ("devorador de hombres"en persa), con la cara de un hombre, el cuerpo de un león y la cola de un escorpión. Esta bestia es tan feroz que su cola se muerde a sí misma. Según el bestiario, esta criatura, nació en la India, tenía tres hileras de dientes, ojos rojos como la sangre, y una voz como una flauta estridente. Podría saltar obstáculos de cualquier altura.

-       Un pelícano (“Símbolo de Cristo”) picoteando su pecho. Según el mismo bestiario, los pelícanos amaban a sus hijos, pero cuando sus polluelos los golpeaban en la cara con sus alas, los padres respondían y los mataban, Tres días después, la madre (o en algunas versiones, el padre) se atravesaban el pecho y el costado y acostados sobre su cría, bañaban a sus polluelos en su sangre, devolviéndolos a la vida. Un acto que simboliza la muerte y resurrección de Jesús.

-        Un basilisco, dragón con cola de serpiente, que significa el poder de matar, vuelto y mirando su cola letal. Según se decía, este animal, mitad gallo, mitad serpiente estaba decorado con rayas blancas a lo largo, vivía en zonas desérticas, podría matar por su olor, aspecto o silbido. Se suponía que las comadrejas eran capaces de destruir basiliscos al atraerlos a una cueva y luego matarlos con su aliento

-        Una arpía o sirena. En descripciones similares a las de Homero en la Odisea, los bestiarios medievales dicen que las sirenas, a través de la belleza de sus canciones, duermen a los marineros, y después los atacan. A la derecha, como escuchando los cánticos de la sirena hay un grifo enseñando sus garras. El grifo es un león con alas y cabeza de águila. Nacido en las montañas, supuestamente odiaba los caballos y destrozaba cualquier humano que encontraba.

-        Una amphisbena retorciéndose, cuyo nombre griego significa "uno que camina en ambos lados". Con una cabeza en cualquiera de sus extremos, esta bestia supuestamente podría convertirse en un aro y rodar. Se cree que es la única serpiente que puede tolerar el frío y la primera serpiente que sale de la hibernación.

-        Un centauro con arco y flecha. Según la mitología clásica, los centauros vivían en Tesalia, un área del norte de Grecia famosa por sus caballos, donde eran una tribu salvaje, propensa a los disturbios cuando estaban borrachos. Aunque en la Edad Media las dos naturalezas (caballo y hombre) del centauro a menudo lo vinculaban con el diablo, en mitología clásica algunos centauros eran buenos, como los gentiles y sabios Cheiron, expertos en música, caza y medicina.

-        Un león coronado, con la melena y la cola trenzada, gruñendo con una pata levantada. Son muchos los cuentos de leones en los bestiarios medievales que divulgan la idea de que los leones son compasivos, salvan a los prisioneros y se postran ante ellos; comen hombres en lugar de mujeres, y comen niños solo si están hambrientos. Aunque el león era considerado valiente, como parece ser el caso aquí, también temía el fuego, a cazadores humanos y a los gallos blancos.

Portada De la iglesia de San Leonardo al Frígido. (Toscana. Italia). 1.170-1.180

Portada de la iglesia de San Leonardo al Frígido. Italia (S.XII)

La iglesia de San Leonardo al Frígido estaba situada cerca de un cruce de caminos que conduce a dos grandes destinos de peregrinación de la Edad Media: Roma y Santiago de Compostela.

En 1879, esta puerta todavía estaba de pie en la entrada de las ruinas de la iglesia, pero en 1893 estaba ubicada en la villa de la condesa Benkendorff-Schouvaloffs, cerca de Niza. En 1.962 se encontró, hecha pedazos en un campo cerca de esa ciudad y fue comprada por el museo.

Esta portada está formada por varios elementos tallados por distintos escultores, en diferentes materiales y con diferentes estilos, muchas de sus imágenes enlazan juntas en un programa visual bastante coherente.

El dintel que algunos han atribuido al taller en Pisa del Maestro Biduino muestra la escena de la Entrada a Jerusalén, la procesión de Jesús en la ciudad donde murió poco tiempo después.
Por la disposición de las figuras, esta composición probablemente estaba inspirada en algún sarcófago cristiano primitivo, y muestra el resurgir del interés por el arte cristiano antiguo que se creó en Italia durante el siglo XII.

La presencia de los niños en esta composición no proviene de los textos bíblicos, sino de los Hechos de Pilato (escritura no reconocida por la Iglesia).

Detrás de Jesús hay una procesión litúrgica en la que vemos a Pedro con su llave, a continuación, diez seguidores más de Jesús, algunos de ellos cantando, llevando hojas de palma, libros, una taza y un recipiente redondo, posiblemente para contener el pan eucarístico o para transportar el incienso. Al, final de la procesión vemos una pequeña figura con el hábito de un monje, es una de las dos apariciones de San Leonardo en esta portada.

En resumen, la composición parece invitar a los espectadores fieles al santo que visitaban el templo, a imaginarse a sí mismos caminando junto a Cristo en una peregrinación espiritual a Jerusalén.

En la jamba izquierda vemos dos escenas diferenciadas: La Anunciación, en la parte superior, mostrando la escena  en la cual, el arcángel Gabriel le dice a María que ella llevaría en su vientre a Jesús, y a continuación, La Visitación, que muestra a una María embarazada abrazando a su pariente Isabel, que también estaba embarazada, gestando a San Juan Bautista. La inscripción superior "Este es el saludo de María", puede ser más que una simple descripción de las escenas, con las imágenes que sirven como referencias visuales, la inscripción puede aludir a un saludo devocional a María usado por Cristianos desde el siglo XI.

A partir del S.XVI, este saludo se había convertido en el "Ave María" y habría generado la oración del "Ave María" que perdura hasta nuestros días.

En la jamba derecha, y fácil de tocar para cualquiera que entrara al templo, se encuentra San Leonardo, patrón de esta iglesia, así como de los enfermos, campesinos y especialmente, los prisioneros, por lo cual sostiene una pequeña figura con los pies encadenados

Leonardo era un monje benedictino, y está vestido con la túnica, capucha, medias y zapatos que figuran en la Regla de San Benito del siglo VI.

Según la leyenda, Leonardo podía liberar cualquier prisionero en el reino. Mientras Leonardo estuvo vivo, se decía que cualquiera en la cárcel que gritara su nombre, encontraría inmediatamente sus cadenas rotas.

Sobre las dos jambas hay capiteles decorados con plantas y cuatro simios. Los tres con cola usan cinturones alrededor de su cuerpo, pero sin las correas que podrían controlarlos. En el capitel derecho existe una posible referencia al pecado original de Adán y Eva: un simio sin cola come fruta, mientras que el mono cercano es picado por una pequeña criatura parecida a un dragón.

Ábside de San Martín (Fuentidueña. Segovia. España) 1.175-1.200 

Ábside de San Martín de Fuentidueña. España (S.XII)

La iglesia de San Martín se encontraba en el pueblo de Fuentidueña, provincia de Segovia (España).  una región en gran parte deshabitada, en una zona ocupada intermitentemente por fuerzas cristianas y musulmanas.

Este ábside es típico de arquitectura románica, posee arco triunfal de medio punto, gruesas paredes con pequeñas ventanas, que tenían como objeto mantener estables los muros; cúpula de cuarto de esfera y bóveda de cañón de piedra, útil para proteger el interior de la iglesia de los posibles incendios del techo de madera.

El material con el que está construido este ábside es piedra caliza dorada de la región, pero la escultura decorativa estaba tallada en una piedra caliza de grano más fino y menos amarilla.

Las dos esculturas más grandes, inusuales en un ábside pero bastante comunes en las fachadas de las iglesias, muestran la Anunciación a la derecha, y a la izquierda, probablemente, San Martín de Tours pisoteando bestias malvadas.

La mayoría de los capiteles dentro del ábside presentan animales o criaturas fantásticas como centauros, arpías o sirenas, pero al frente del ábside hay dos capiteles con escenas bíblicas: La Adoración de los Reyes Magos a la izquierda, y Daniel en el foso de los leones a la derecha.

Los nichos en las paredes probablemente contenían vasos litúrgicos utilizados en la misa cristiana.

A cada lado del ábside hay un banco de piedra, destinado al descanso de los involucrados en el servicio.

Ábside de San Martín de Fuentidueña. Vista Nave

El exterior del ábside estaba muy decorado, el alero poseía canecillos representando imágenes de músicos, un acróbata y un castillo.

La iglesia de la que proviene este ábside probablemente formara parte de un castillo construido a finales del siglo XII.

En la década de 1950, el Museo Metropolitano, obtuvo permiso del gobierno español para tomar

prestado el ábside abandonado y deteriorado.Usando un sistema de numeración de la estructura de 3.300 piedras, después de desmontarlas, el Museo las transfirió a The Cloisters, donde la cuidadosa reconstrucción tardó en completarse más de un año, ya que para acomodar el ábside reconstruido, la antigua sala de exposiciones fue demolida parcialmente y se diseñó el nuevo espacio que se abrió al público en 1.961, simulando una nave única, sin transeptos, característica de la arquitectura segoviana del siglo XII.

Capitel Arco triunfal

 

Estatua columna arco triunfal

Estatua columna arco triunfal

Después, los frescos de una iglesia diferente: Santo Joan en Tredós (Lérida) se colocaron en la media cúpula del ábside.

La virgen y el niño en Majestad y la adoración de los magos. (Iglesia de San Juan de Tredós. Lérida. España) 1.100 

La Virgen y el Niño en majestad y la adoración de los magos. España (S.XII)

Este fresco, atribuido por motivos estilísticos al llamado Maestro de Pedret, proviene del ábside de la iglesia de Sant Joan de Tredós, en el Pirineo catalán. En su centro están la Virgen entronizada y el Niño enmarcados ambos por una mandorla (aureola con forma de almendra).
Flanqueando este grupo central, a menor tamaño, y con posturas frontales y rígidas están los Arcángeles Miguel (izquierda) y Gabriel (derecha).
Únicamente las figuras de los tres magos en la parte inferior -Melchor, Baltasar y Gaspar- muestran un atisbo de movimiento.

La composición claramente tiene la intención de enfatizar acerca de la jerarquía de las figuras.

Una influencia italo-bizantina es evidente en la representación del trono biselado y en las alas de los arcángeles; estos últimos, de hecho, están vestidos con trajes imperiales bizantinos.

El fresco estaba oculto a la vista hasta que el bombardeo durante La Guerra Civil española (1936-39) destruyó un altar barroco construido sobre a él.

La Virgen y el Niño en majestad y la adoración de los magos.
Vista lateral ábside

El grupo central de la Virgen y el niño fue comprado por el museo en 1950, seguido poco después por los otros dos fragmentos (Miguel y Melchor en uno; Gabriel, Baltasar y Gaspar por el otro). Cuando el ábside de Fuentidueña llegó a The Cloisters, los fragmentos de frescos fueron montados en su cúpula para evocar su configuración original.

Crucifijo. (Convento de Santa Clara. Astudillo. Palencia. España) 1.150 -1.200

Crucifijo. España. (S.XII)

Este monumental crucifijo representa a Cristo a la manera característica del siglo XII: triunfante sobre la muerte, con los ojos abiertos, y coronado.

A pesar de las heridas en sus manos, pies y costado, la simetría de La cara y el cuerpo de Jesús sugieren calma y muestra poca evidencia de sufrimiento, pretende claramente mostrar el triunfo sobre la muerte.

Destaca el tallado de la barba, su caja torácica y los pliegues de la tela de la prenda que viste.

Gran parte de la pintura y la decoración dorada es original.

El reverso está adornado con una imagen pintada del Cordero de Dios (Agnus Dei) en el centro y

símbolos de los cuatro evangelistas en los extremos, lo que sugiere que la cruz estaba destinada a colgarse del techo y ser vista de ambos lados.

La alta calidad del tallado y el buen estado de conservación hacen de este crucifijo uno de los más

importantes ejemplos románicos de su tipo.

Esta forma de Jesús vivo en la cruz, que apareció en el siglo V, fue el primer modelo en que los artistas medievales representaban La crucifixión.

Dragón y León (Monasterio de San Pedro de Arlanza. Burgos. España) S.XIII

Dragón. San Pedro de Arlanza. España (S.XIII)

El monasterio benedictino de San Pedro de Arlanza, en el norte España, fue fundado en 912 por Fernán González, conde de Castilla.

La estructura cuadrada de dos pisos se encontraba al sureste de la iglesia monástica.

El nivel del suelo de ese edificio sirvió como sala capitular, la habitación del nivel superior estaba decorada con un extenso ciclo de frescos que representan la fascinación de la Europa medieval por lo exótico.
Esta gran pintura mural de un dragón de dos patas, llamado wyvern, ; formaba parte de un conjunto que incluía leones, un grifo y un avestruz. El dragón empuja su cola a través de un agujero en un árbol frutal, el friso inferior de la pintura muestra a un par de mujeres discutiendo cuyas mitades inferiores son similares a las del wyvern; un burro, entreteniendo con una lira a un zorro y una cabra; y dos hombres gesticulando sobre una gran y encogida liebre.

Dragón. San Pedro de Arlanza. Detalle

Estas últimas escenas son de difícil, y posiblemente, variada interpretación, la imagen del asno tocando el arpa podría ser una alegoría medieval de la ignorancia. En cualquier caso, el extraño árbol frutal y el curioso friso con personajes y animales cerca de la criatura, podrían estar refiriéndose al origen exótico del dragón, que se dice que vino de Etiopía y la India.

En cualquier caso, no siempre es posible reconstruir su intención específica en un momento dado, y esas bestias podrían ser para "deleite estético", como comentó un arzobispo del siglo XIII.

En el emplazamiento original, el dragón de The Cloisters se enfrentaba a un Grifo (en el MNAC de Barcelona) a través de una doble ventana en la pared sur.

León. San Pedro de Arlanza. España (S.XIII)

El león, encabritado y bigotudo, era la mitad de un imponente par de leones en la pared este (el otro está en el MNAC de Barcelona).

La bestia está enmarcada dentro de un campo rectangular sobre un fondo de bandas sólidas de

tonos terrestres.

Figuras humanas y animales, tanto realistas como fantásticos, llenan la zona horizontal debajo del león, al igual que en el caso del dragón su pieza acompañante.

Aunque se desconoce la fecha de construcción del edificio, el estilo y el tema de los frescos sugieren que fueron ejecutados a principios del siglo XIII.
El monasterio fue abandonado en 1841.Los frescos estaban escondidos debajo de una capa de yeso aplicada como parte de una renovación que se realizó en el siglo XVIII y solo fueron redescubiertos en 1894, a causa de un incendio. Para entonces el monasterio ya estaba en manos privadas.

Los frescos, junto con todo lo demás del lugar, fueron retirados y vendidos a finales de los años ochenta a diferentes instituciones y coleccionistas privados.

Pila Bautismal. (Países Bajos) 1.155–1.170 

Pila Bautismal. Paises Bajos (S.XII)

Numerosas Pilas Bautismales de piedra oscura de este tipo, producidas en el valle del río Mosa, fueron exportadas a todo el norte de Europa. Las cuatro cabezas sobresalientes, talladas con una simplicidad y potencia inusuales, y cada una ligeramente diferente de la otra, probablemente representan los cuatro ríos del Paraíso.

Pila bautismal. Países Bajos. Vista completa

En algún momento, la pila estuvo apoyada en columnas. Todo el conjunto, descansaba sobre un zócalo cuadrado. Cuando se realizó esta pila, la práctica bautismal estaba cambiando: de sumergir el cuerpo en su totalidad, a ungir la frente de un niño.

Frescos con "Las tentaciones del diablo a Cristo". "La curación del ciego y la resurrección de Lázaro".  "Camello". 

Ermita de San Baudelio de Berlanga. (Casillas de Berlanga. Soria. España) 1129-1.134  

Las tentaciones del diablo a Cristo. España (S.XII)

La ermita de San Baudelio de Berlanga de Soria (España) fue construida a principios del siglo XI en el corazón de la frontera entre tierras islámicas y cristianas. Ciento cincuenta años después, su extraordinario interior abovedado y con una columna central en forma palmera se transformó, añadiéndole dos ciclos de pinturas al fresco: un extenso ciclo cristológico en la parte superior y escenas de caza y animales, derivados del arte islámico, en la parte inferior.

Las grandes figuras de las historias bíblicas, los contornos claros y los colores radiantes aseguraron que las escenas fueran legibles desde el suelo.
Este fresco combina tres episodios de la tentación de Cristo. A la izquierda, el diablo desafía a Cristo a convertir las piedras en pan. En el medio, Satanás desafía a Cristo, parado en el frontón del Templo, para arrojarse al vacío. El ángel que habla con un demonio a la derecha, se refiere a la última tentación de Cristo, quien, después de negarse a adorar al Diablo, es custodiado por los ángeles.

La curación del ciego y la resurrección de Lázaro. España (S.XII)

Las escenas del Nuevo Testamento se pueden atribuir a un maestro que trabajó en las pinturas en Santa Maria de Taüll, en la provincia de Lleida (Lérida).

Camello. España (S.XII)

El camello estaba asociado con las tierras de la Biblia, pero también con el poder, el lujo y lo exótico.

Virgen en trono con niño (Francia) 1.130-1.140

Virgen en trono con niño.
Francia (S.XII)

El corte y los pliegues del vestido dan elegancia a esta figura de la Virgen, mientras que sus hombros ligeramente caídos, la inclinación hacia adelante y la mirada plácida pueden sugerir fatiga y aceptación de su nuevo papel como la madre de Jesús.

En esta pieza, se conservan vestigios de la pintura original medieval.

El ojo derecho de la Virgen, hecho de vidrio azul, es original. El otro ojo es un reemplazo reciente.

Esta es una de las pocas esculturas románicas en madera de Borgoña que han llegado hasta nuestros días. El diseño de las vestiduras y los ojos de párpados pesados relacionan esta pieza con las esculturas de la catedral de Saint-Lazare en Autun.

Virgen en majestad con niño. (Francia) 1.175-1.200

Virgen en majestad con  niño. Francia (S.XII)

En la escultura medieval, las partes individuales del cuerpo a menudo se acentuaban para transmitir significado. Aquí, las manos de gran tamaño de María dirigen nuestra atención a Jesús, entronizado en el regazo de su madre. Este tipo de escultura, muy popular en el siglo XII, se conoce como un Trono de Sabiduría (Sedes Sapientiae).

Mostrado como un adulto en miniatura, Jesús, el Hijo de Dios, es la sabiduría encarnada. Sostiene en sus manos una Biblia, una referencia más al concepto de sabiduría divina que encarna. María es a la vez escultura y recipiente contenedor: su cuerpo tiene una cavidad detrás del hombro, lo que sugiere que el trabajo fue un contenedor de reliquias sagradas. Estas estatuas devocionales pudieron haber sido llevadas en procesiones de la iglesia.

Capilla de NotreDame- du-Bourg. (Langon Francia) 1.126 

Capilla de Notre-Dame du Bourg. Francia (S.XII)

Capilla del siglo XII. Reconstruida con bloques de piedra caliza de la iglesia de Notre-Dame-du-Bourg en Langon, al sureste de Burdeos.

Según un documento del siglo XVII, la pequeña iglesia parroquial, tenía una única nave, transeptos ligeramente salientes y un ábside semicircular.

Fundada en 1126 como una dependencia de la abadía cercana de Notre-Dame de-la-Grande-Sauve.

Capitel Reina Leonor de Aquitania

Siete capiteles del crucero y el coro de Langon están instalados en esta capilla, todos ellos decorados con cabezas o figuras humanas talladas casi en redondo.

El busto femenino en una de los capiteles, normalmente ha sido identificado como la Reina

Leonor de Aquitania, una de las más notables mujeres de la Edad Media.

Los arcos ciegos que recubren las paredes y que decoran la capilla, son característicos de la arquitectura del siglo XII en el oeste de Francia.

Crucifijo

Como muchos monumentos religiosos en Francia, Notre-Dame-du-Bourg sufrió daños repetidos, especialmente de la Guerra de los Cien Años y la revolución francesa.

A principios del siglo XIX, el coro se había dividido en dos niveles: el inferior servía como establo,

mientras que el superior se convirtió en un salón de baile y luego en un teatro.

Ábside

Cuando el Museo compró los fragmentos de la capilla en 1934, el nivel superior estaba siendo utilizado para almacenar tabaco. La capilla reconstruida es aproximadamente tres cuartos de su tamaño original.

Sala Capitular de Notre-Dame-de-Pontaut. (Francia) Siglo XII 

Sala Capitular Notre-Dame de Pontaut. Francia (S.XII)
Vista General

Notre-Dame-de-Pontaut, al sur de Burdeos, fue fundada en el S.XII como una abadía benedictina pero en el 1.151 se convirtió en monasterio cisterciense.

Como en la mayoría de monasterios medievales, gran parte de la liturgia y administración de la abadía se llevaba a cabo en la sala capitular, donde los monjes asistían a reuniones diarias, sentándose en la piedra del banco corrido construido a lo largo de las paredes. La sala capitular también era el lugar para ciertas liturgias y rituales, como la representación anual de Cristo lavando los pies de sus discípulos antes de la Pascua.

Vista parcial

Las paredes de esta cámara están construidas de piedra caliza y ladrillo y formadas por columnas, cada una coronada por un capitel decorado con motivos vegetales, animales o geométricos.

Dos juegos de columnas independientes sostienen las bóvedas.

La habitación se abre al claustro en una abertura formada por tres grandes arcos.

Clave bóveda

Gran parte de Notre-Dame-de-Pontaut resultó dañada durante un ataque por los hugonotes en 1569, gran parte de estos daños, los sufrió el piso superior de esta sala, donde podría haberse ubicado el dormitorio.

Una vez adquirido el edificio por una familia local, la sala capitular se convirtió en un establo.

Fue comprado en 1932 por el comerciante parisino Paul Gouvert, quien lo vendió al Museo Metropolitano.

Capiteles zoomórficos

Capiteles piñas

Aunque el piso de baldosas y las bóvedas de yeso son modernas, el resto de la sala capitular ha sido reconstruido con materiales originales.

Claustro de Saint Guilhem-le-Désert. (Languedoc-Rosellón. Francia) Siglo XII 

Claustro de Saint Guilhem Le Desert. Francia. (S.XII) Galería 1

Los elementos de este claustro, instalado aquí en el nivel del suelo, se cree que provienen, en su mayoría, del nivel superior de la estructura original de dos pisos.

La talla revela la influencia clásica, especialmente en el uso de motivos como las hojas de acanto

Los cincelados, profundos y cilíndricos, crean un maravilloso contraste de luces y sombras en las superficies talladas de la piedra.

Galería 2

Algunas columnas y pilastras se asemejan a árboles.

Además de una variedad de diseños de motivos vegetales, algunos de los capiteles están decorados con escenas narrativas, como la Presentación en el Templo y la Boca del Infierno.

Capitel "La Boca del Infierno"

El claustro era parte de una abadía benedictina fundada por Guilhem, duque de Aquitania, conde de Toulouse y luego santo (canonizado en 1066).

El nivel inferior del claustro se completó a principios del siglo XII, pero el piso superior, conocido como el "nuevo claustro "(claustrum novum), no se menciona en los documentos hasta 1206.

Detalle patio

La abadía, una parada regular en la ruta de peregrinación a Santiago de Compostela en el noroeste de España, sufrió graves daños durante Las Guerras de Religión y la Revolución Francesa.
Alrededor de 1850, algunos componentes arquitectónicos y escultóricos del claustro fueron comprados por Pierre-Yon Verniere, un juez local, para exhibir en su jardín. En 1906, su heredero vendió los fragmentos, que pronto fueron comprados por George Gray Barnard.

Torso de Cristo (Francia) S.XII 

Torso de Cristo. Francia (S.XII)

Este fragmento de escultura, delicadamente tallado, fue durante muchos años considerado como parte de un crucifijo. La posición del cuerpo de Cristo, sin embargo, que se dobla ligeramente en la cintura, sugiere que lo más probable, es que la pieza formara parte de un grupo de esculturas que representaba el Descendimiento del cuerpo de Cristo desde la cruz.

A pesar del deterioro, el torso nos muestra del modelado cuidadoso del cuerpo y el detalle de los pliegues de la tela.

Cuando fue descubierto por George Gray Barnard cerca de Lavaudieu, la pieza estaba siendo

utilizada en un campo como espantapájaros.

Los brazos, las piernas y (probablemente) la cabeza estaba originalmente separada en piezas sostenidas en su lugar por tacos.

Un examen ha revelado que la pintura original está oscurecida por una excesiva capa de pintura aplicada en el S.XIV. La prenda de tela, fue originalmente de color lapislázuli azul y el forro de color rojo brillante.

Frontal de Altar. (Iglesia de Ginestarre de Cardós. Lleida. España) S.XIII 

Frontal de altar. España (S.XIII)

En el centro de este frontal de la iglesia de Ginestarre de Cardós se encuentra la Virgen y el Niño, entronizados y rodeados por una mandorla, que es sujetada por cuatro ángeles (los dos inferiores dañados).  A este grupo central, lo acompañan ocho apóstoles, de pie y bajo arcos redondos.

Pintado a lo largo del borde superior están los nombres de seis santos: Simón, Judas, Matías, Juan, Tomás y Bernabé.

A toda esta composición la rodea una procesión de leones encabritados, cada uno encerrado en un

medallón. Falta el borde inferior.

Este frontal de altar, fue decorado usando una técnica que buscaba imitar los frontales dorados o plateados hechos para grandes catedrales o ricos monasterios. Para lograr la lujosa apariencia de los esmaltes y las piedras preciosas que a menudo se establecen en ejemplos más elaborados, el diseño fue moldeado en bajo relieve en yeso y luego adornado con pintura.


Relieve en Marmol de la Anunciación. )Iglesia de San Piero Scheraggio. Florencia. Italia). S.XII

Relieve en mármol de la Anunciación. Italia (S.XII)

El púlpito era un elemento destacado en la iglesia medieval. Generalmente se levantaba sobre el coro y, durante la Edad Media, se utilizaba para las lecturas de los Evangelios y las Epístolas.

En este panel, tallado sobre marfil y mármol, perteneciente a un púlpito, el Arcángel Gabriel anuncia a la Virgen que ella será la madre de Cristo.

Las figuras aparecen debajo de una elaborada galería soportada por columnas retorcidas; los arcos son adornados con molduras ovaladas y coronado por un diseño que evoca una muralla de la ciudad.

El relieve de mármol, con su borde decorativo y con incrustaciones de serpentina, es característico de la escultura toscana al final del período románico (alrededor de 1200).

Es una de las siete Tallas figurativas de un púlpito rectangular de la Iglesia florentina de San Piero Scheraggio. En 1782 los otros seis paneles fueron trasladados a la Iglesia de San Leonardo en Arcetri, en el extrarradio de Florencia.

Portada de Notre-Dame (Reugny. Francia). S.XII 

Portada de Notre Dame de Reugny. Francia (S.XII)

Esta puerta se situaba en la fachada oeste del pequeño priorato agustino de Notre-Dame en Reugny, no lejos de Clermont Ferrand, en el centro de Francia.

Los tres pares de columnas que flanquean la puerta tienen arquivoltas moldeadas sobre ellas, que forman un suave arco puntiagudo típico de mediados o finales del siglo XII.

Tímpano con cinco lóbulos. en las puntas de cuatro de ellos están los símbolos de los cuatro evangelistas con decoraciones florales.

Vista lateral

Los restos de una estatua son visibles en la jamba derecha.

La puerta pertenece a un pequeño grupo poco conocido de portadas polilobuladas que, generalmente tienen de tres a siete lóbulos, ubicadas en el centro de Francia.

Después de 1920, esta portada fue vendida a George Blumenthal, quien la instaló en su casa de París como entrada principal a su "Salle de Musique". En 1934 Blumenthal la donó a The Cloisters, donde ahora se encuentra en el acceso al claustro de Saint-Guilhem.

Portada de Moutiers-Saint-Jean. (Borgoña. Francia) 1.250 

Portada de Moutiers San Jean. Francia (S.XIII)

El tímpano de esta puerta, enmarcado por un arco trilobulado, está decorado con la coronación de la Virgen, a la que asisten dos ángeles arrodillados.

Otros seis ángeles arrodillados en la arquivolta circundante sostienen instrumentos litúrgicos.

A cada lado de la puerta hay una fila de figuras bíblicas en nichos.

En las jambas, a ambos lados y cubriendo las columnas, dos grandes figuras coronadas, identificadas en una descripción de 1567 como los reyes merovingios Clovis y Clothar.

Según el mismo documento, la puerta del monasterio de Moutiers-Saint-Jean, probablemente sirvió como acceso sur desde el crucero al templo, frente al claustro.

Fundada en el siglo VI por seguidores de San Juan de Roma, Moutiers-Saint-Jean y sus archivos sufrieron graves daños durante Las Guerras de Religión y la Revolución Francesa.

Nuestro conocimiento de la abadía y su apariencia física solo se pueden extraer del puñado de dibujos producidos por los hermanos maristas cuya congregación se hizo cargo del monasterio a mediados de los años 1630. En 1797 los restos que quedaban del monasterio fueron vendidos a manos privadas;

Fue probablemente durante este período cuando la puerta, sin las figuras reales, fue adaptada para su instalación en una granja.

En 1920, el dueño de la granja vendió la portada, que entró en la colección de The Cloisters en 1932.

Las figuras de Clovis y Clothar, decapitadas probablemente en el siglo XVIII y restauradas

desde entonces, fueron adquiridas a un propietario diferente ocho años después.

Claustro del Monasterio de Saint Michel de Cuxa. (Roussillon. Francia) 1.130-1.140

Claustro del Monasterio de Saint Michel de Cuxa. Francia (S.XII)

El claustro, núcleo de la vida diaria monástica, construido de forma cuadrada o rectangular, es esencialmente un patio al aire libre bordeado por galerías cubiertas que lo conectan con los otros espacios importantes del monasterio, como la iglesia, sala capitular, dormitorio y refectorio.

El equilibrio y la simetría del cuadrado simbolizan la armonía en la vida buscada por los monjes.
Pero el claustro no siempre estaba tranquilo. También se usaba para hacer ejercicio y para leer en voz alta e incluso era el lugar utilizado para la conversación, afeitarse, afilar cuchillos y lavar ropa y platos con agua de la fuente.

Galería

La mayoría de los fragmentos con los que se reconstruye este claustro provienen de la abadía benedictina de Saint-Michel-de-Cuxa, en los Pirineos orientales (se cree que la fuente central es de la

Abadía de Saint-Genis-des-Fontaines).

Saint-Michel-de-Cuxa fue fundado en el siglo IX por monjes de la cercana abadía de Saint-André-d'Exalada.

El claustro original, era casi el doble del tamaño de la reconstrucción actual.

Vista exterior

Los capiteles en las columnas son variados, algunos vegetales, representando plantas de acanto; otros son figurativos y zoomórficos con representaciones de bailarines, trompetistas, simios, leones, osos y águilas. Algunas de estas combinaciones pueden provenir de fábulas populares de la época, pero otras pueden haber sido pensadas para instruir a los monjes.

Capiteles Claustro de Cuxa

En su apología al Abad William (1.125), el destacado teólogo y reformador Bernardo de Claraval señaló la popularidad de tales híbridos y extravagantes seres y los criticaba como distracciones para la contemplación monástica.

Saint Michel de Cuxa fue confiscado en 1.789 por el estado francés y vendido en 1.791, momento en el cual sus elementos comenzaron a dispersarse.

Para la reconstrucción en The Cloisters, se reabrieron las canteras para que el mármol de Languedoc fuera extraído de la misma región montañosa entre Ria y Villefranche, donde los canteros del siglo XII obtuvieron su material.

El diseño del jardín es el típico de un monasterio, como el representado en el plano del siglo IX

para el monasterio benedictino en Saint-Gall, (Suiza).

Pila Fuente

Un manzano se encuentra en el centro de cada cuadrante, bordeado por flores y hierbas. Este jardín ornamental mezcla plantas conocidas en la Edad Media, como manto de dama y aguileña, que también se pueden encontrar en los Tapices de Unicornio con variedades modernas para asegurar una exhibición continua y abundante de floraciones de abril a octubre.

La adoración de los magos. (Iglesia de Nuestra Señora de la Llana. Cerezo de Riotirón, Burgos. España) 1.175-1.200 

La adoración de los Magos. Burgos-España. (S.XII)

A pesar de algún daño visible, la talla magistral en esta escena de la Adoración todavía es evidente y visible en los remolinos de cortinas, los majestuosos pliegues de las vestimentas de los personajes y las posturas de los mismos.

Representa a dos de los magos acercándose a la Virgen y el Niño (cuya cabeza falta) desde la izquierda, mientras que José se sienta a la derecha con la cabeza apoyada en la mano.

La iglesia de Nuestra Señora de la Llana en Cerezo de Riotirón, en ruinas desde 1924, no proporciona pistas sobre la colocación original del grupo o la presencia del tercer sabio, pero es posible que el grupo estuviera destinado a un tímpano.

Sin embargo, la primera fotografía de ella, tomada en la década de 1920, ya muestra el conjunto

empotrado en un muro que probablemente no tuviera nada que ver con su ubicación original.
Comparando con otras obras similares de la misma región, se encuentran similitudes, lo que hace pensar en un mismo escultor con un estilo ya maduro al crear este grupo.

Portada. (Francia). S.XII 

Portada. Francia. S.XII

Una serie de elementos lúdicos dan vida a esta portada, sobria a primera vista. Un oso y un zorro bailan en la piedra angular en la parte superior, mientras que otros animales, algunos reales, otros fantásticos, adornan los capiteles foliados a la altura de la vista. El estilo es similar al de otros monumentos encontrados cerca de Tours. Esta puerta proviene de una pequeña iglesia a unas cincuenta millas al sureste de la ciudad. Se vendió a manos privadas en el siglo XIX, y se trasladó a la cercana Villeloin-Coulangé; Entró en la colección de George Gray Barnard antes de 1925.

Herraje de puerta. (Iglesia de San Leonardo de Noblat. Limoges Francia) S.XI 

Herraje de puerta. Francia. S.XI

A pesar de su función utilitaria, los herrajes de puertas medievales a menudo tienen un diseño ornamentado con motivos geométricos y fantasiosos. Aquí, las bestias se asemejan a las panteras, que según los bestiarios medievales, exhalaban un aliento dulce que atraía a los animales a los que cazaban. La iglesia dedicada a San Leonardo de Noblat,cerca de Limoges, era frecuentada por peregrinos que creían que el santo era particularmente eficaz en la liberación de prisioneros.

Relieve con tres monjes. (Francia) 1.130-1.180

Relieve con tres monjes. Francia (S.XII)

Capitel con el sueño de los magos (Francia) 1.135-1.150

Capitel con el sueño de los magos. Francia (S.XII)

Puerta. (Francia) S.XIII 

Puerta. Francia (S.XIII)

Portada reconstruida. España. S.XIII 

Portada. España.(S.XIII)

El portal principal de la iglesia de San Vicente Mártir fue casi destruido en 1879, cuando cayó la torre cercana. Aquí, se han utilizado ochenta fragmentos para reconstruir la puerta monumental.    
Algunas de las piedras fueron recicladas de edificios anteriores. Dos aberturas a los lados de la instalación permiten vislumbrar la talla anterior.

Capiteles Portada

Las ricas imágenes incluyen temas bíblicos (como la Huida a Egipto) y temas moralizantes, así como cabezas y animales humanos.

Leones. (Norte de Italia) S.XIII 

Leones. Italia (S.XIII)

Alertándose y mirándose el uno al otro, ambos leones protegen celosamente a su presa, un cordero en un caso y un ternero en el otro, debajo de enormes patas. La pareja originalmente sostenía columnas que se habrían unido a sus espaldas y probablemente flanqueaban una pequeña puerta de una iglesia. A mediados del siglo XVIII, fueron colocados en la puerta de una capilla cerca del pueblo de Quattro Castella, cerca de Reggio Emilia.

Figura sentada (profeta o apóstol). (Italia) 1.200 

Profeta ó apostol. Italia (S.XIII)

Atribuida al Maestro de Santa María la Blanca.

Relieve de león. España. 1.200 

Relieve de león. España. (S. XIII)

El león es un símbolo de Cristo, quien fue llamado en el Nuevo Testamento el León de la tribu de Judá, pisotea a un dragón, la personificación del mal. En el fondo está la coronación de la Virgen flanqueada por el arcángel Gabriel y San Leonardo, patrón de los prisioneros, que se muestra aquí liberando a dos cautivos de sus cadenas. Originalmente flanqueaba el portal de la iglesia.

Canecillo con figura barbuda con objetos tipo piña.  (Iglesia de Notre-Dame-de-la-Grande-Sauve. Francia) 1.150-1.200 

Canecillo. Figura Barbuda.Francia (S.XII)

Notre-Dame-de-la-Grande-Sauve, la iglesia de la que provienen estos canecillos, estaba situada en una de las rutas al santuario de Santiago de Compostela en el norte de España. Ubicada al lado de un gran bosque (la selva mayor de donde proviene su nombre) y dominando una colina que domina el río Gironde, su comunidad creció de siete monjes en su fundación en 1079 a unos 300. La abadía se benefició de las donaciones de mecenas famosos, incluyendo un regalo de Leonor de Aquitania y Enrique II, rey de Inglaterra, en 1156.                                                                                                 
A raíz de la Revolución Francesa, los edificios monásticos sirvieron como prisión. Las bóvedas de la iglesia se derrumbaron en 1809, y un incendio en 1910 deterioró aún más el lugar. Aun así, algunos canecillos resistieron en el exterior de la iglesia.

Ángel.  (Francia) 1.120 

Ángel. Francia (S.XII)

En las ágiles manos del escultor, una cara delicada y una túnica con movimiento, emergen de la áspera superficie de piedra caliza. Este ángel de medio cuerpo probablemente proviene de la moldura de arco de una puerta o de un relieve de la tercera iglesia construida en la poderosa abadía de Cluny.

Relieve Agnus Dei y Querubin. (San Miguel de Cluxá. Francia) 1.140-1.150

Agnus Dey y Querubín. Francia (S.XII)

Capitel. (Sur de Italia) S.XII-XIII

Capitel. Italia (S.XII-XIII)

El mármol utilizado para tallar este capitel proviene de la isla de Naxos en Grecia, lo que demuestra las fuertes conexiones comerciales entre el sur de Italia y Grecia. La delicadeza de la talla y el extenso trabajo de perforación son típicos de Campania y el sur de Italia. En una nota lúdica, las volutas en las cuatro esquinas se transforman en cabezas de carneros.

Tímpano con las tentaciones de Cristo y dintel con los Ángeles y el cordero de Dios. (España) 1.150-1.175 

Tímpano tentaciones Cristo y dintel ángeles
 y cordero de Dios. España (S.XII)

El tímpano semicircular sobre la puerta representa los tres enfrentamientos entre Jesús y el Diablo. Están destinados a ser leídos de derecha a izquierda, lo que lleva a la conclusión de que los ángeles traen comida a Jesús al final de sus tentaciones en el desierto.

El dintel, con ángeles que sostienen un medallón con el Cordero de Dios, fue encontrado en un molino en el pueblo de Errondo en la década de 1920. El tímpano es proporcionalmente pequeño y puede provenir de un lugar diferente. Sin embargo, la escultura se ha comparado con el trabajo de un artista activo en la Toscana y a lo largo de las costas mediterráneas de Francia. Es conocido como el Maestro de Cabestany, un pueblo cerca de la frontera de España donde trabajaba.

Detalle tímpano y dintel

Relieve de un púlpito con el Símbolo de San Lucas (Italia) 1.180 

Relieve. Símbolo de San Lucas. Italia (S.XII)

Este relieve representa un buey, el símbolo de San Lucas, sosteniendo un libro con una inscripción de la apertura de su Evangelio. Una segunda inscripción se refiere al maestro escultor Stephanus y sus asociados. No se sabe nada más del escultor, pero las características de su estilo, con su nitidez y riqueza de formas decorativas que contrastan con las superficies lisas, son características de la escultura en Abruzzi a finales del siglo XII. Debido a los cambios en la liturgia promulgada en el Concilio de Trento (1544-68), los púlpitos medievales fueron frecuentemente desmantelados y sus partes se dispersaron.

Relieve Músico. San Miguel de Cluxá (Francia) 1.130-1.140

Relieve. Músico. Francia (S.XII)

Dovela. San Miguel de Cluxá (Francia) 1.130-1.140. 

Dovela. Francia (S.XII)

Pila de agua bendita (Italia) 1.160-1.165

Pila agua bendita. Italia (S.XII)

Las escenas de la vida de San Raniero rodean esta fuente. Hijo de un comerciante de Pisa, vivió un tiempo en Tierra Santa. El santo lleva una camisa de pelo, como prueba de su austera vida. Varios de los milagros de Raniero están relacionados con el agua bendita; su leyenda es, pues, apropiada para una fuente. Raniero se convirtió en el santo patrón de Pisa después de su muerte en 1160.

Tallada en alto relieve de mármol fino, la pila probablemente fue creada en el taller de un escultor llamado Guglielmus, quien fue responsable de gran parte de la decoración interior de piedra de la Catedral de Pisa.

THE MET - METROPOLITAN MUSEUM OF ART      
(SALAS DE ARTE MEDIEVAL)

A pesar de que el grueso de la colección de Arte medieval y en concreto de Arte Románico se encuentra en The Cloisters, el edificio principal del MET (Metropolitan Museum of Art) en la 5ª Avenida, dentro de sus salas dedicadas al Arte Medieval, también posee un espectacular colección de obras que harían las delicias de cualquier otro museo del Mundo.

Aquí os dejo una pequeña muestra, como en el caso de la visita a The Cloisters, en este blog es imposible dar cabida a todas las obras que posee este impresionante museo y que podríamos ubicar dentro del periodo románico.


Capitel con leones montados por jinetes desnudos. (Norte de España o Sur de Francia) 1.200

Capitel. Leones montados por jinetes desnudos.
Norte España-Sur Francia (S.XII)

Las caras de este capitel muestran leones, dos de los cuales están montados por jinetes masculinos desnudos. Una de las figuras es atormentada por una gran serpiente. Aunque ni el significado ni el contexto original de este capitel son claros, el estilo de la talla está estrechamente relacionado con la escultura de las iglesias en el camino de peregrinación a Santiago de Compostela, especialmente en las cercanías de Jaca


Placa con los viajeros de Emaús y Noli Me Tangere. (León. España) 1.115-1.120. 

Placa. Viajeros Emaús y
Noli me Tangere. España (S.XII)

Según los Evangelios, Jesús se apareció a sus discípulos varias veces después de la Resurrección, incluso en el camino de Jerusalén a Emaús. En el encuentro, representado en la parte superior de esta placa, los discípulos, uno de ellos lleva el bastón, calabaza para el agua y bolso de un peregrino medieval, lamentan la crucifixión, mientras Jesús explica la naturaleza redentora de su sacrificio. Los viajeros no reconocen a Jesús hasta que se reúnen para cenar esa noche (Lucas 24: 13–31). A continuación, Jesús se le aparece a María Magdalena, quien al principio piensa que es un jardinero. Cuando ella lo reconoce, él le dice que no lo toque (noli me tangere) ya que la Ascensión aún no ha ocurrido. "No te aferres a mí, porque yo aún no he vuelto al Padre ”(Juan 20:17).

Los tejidos plegados en espiral, los cuerpos alargados y los gestos enfáticos transmiten el drama de estos eventos milagrosos y relacionan la placa con las obras producidas en León, una importante ciudad en el camino de peregrinación a Santiago. Esta preciosa talla de marfil era parte de un conjunto más grande, tal vez un relicario decorado con otras escenas de la vida de Jesús.

Placa con San Pedro en Gloria (Francia) 1.185-1.200

San Pedro en Gloria. Francia (S.XII)

Columna Estatua de un rey. (Francia). 1.150-1.160 

Columna-Estatua de un rey.
Francia (S.XII)

La abadía real de Saint-Denis albergaba el santuario de este santo nacional. Poseía muchas de las insignias de los reyes de Francia, y sirvió como lugar de entierro. Bajo el enérgico Abad Suger (1122-1151) la abadía fue reconstruida en un nuevo estilo que fue aclamado en la Edad Media como "el estilo francés" y posteriormente llamado gótico. Esta figura de columna de un rey no identificado es la única estatua completa que sobrevive del claustro ahora destruido. La corona y el halo enjoyados distinguen la naturaleza real y santa de la figura cuya identidad pudo haber sido inscrita alguna vez en el pergamino que sostiene. La integración de una figura de pie con una columna cilíndrica es una de las características distintivas del nuevo estilo gótico.

Placa con los Santos Juan, Mateo y Tomás. (Paises Bajos) 1.150- 1.175)

Placa Santos Juan, Mateo y Tomás. Paises Bajos (S.XII)

Las inscripciones latinas nombran a tres de los apóstoles de Jesús: Santiago, Mateo y Tomás.

Capitel con Sansón y otros hombres luchando contra un león (Norte de España) 1.175-1.200

Capitel. Sansón luchando contra el león. España (S.XII)

Este capitel representa, de manera simple a un hombre y un animal en combate. Los capiteles deben de haber soportado un arco principal, tal vez la entrada al coro de una iglesia. Aquí Sansón, con el pelo largo, lucha con el león, asistido por dos hombres, uno con una maza, otro con un cuchillo.

Capitel con un centauro luchando contra un hombre con arco y flechas  (Norte de España) 1.175-1.200

Capitel. Centauro. España (S.XII)

Capitel. Centauro luchando contra hombre

Representa a un hombre y un animal en combate y de una manera similar casi abstracta. Aquí el centauro se enfrenta a un hombre con arco y flecha.

Virgen entronizada (Escandinavia) 1.175-1.200 

Virgen trono
Escandinavia (S.XII)

Tallada en un bloque estrecho de álamo, esta figura fue originalmente colocada en un gran tabernáculo, para ser ubicada en el altar. La forma alargada de la escultura y su fuerte calidad lineal pueden relacionarse con obras más completas en la isla de Gotland, donde la escultura de los años 1100 estuvo fuertemente influenciada por el arte alemán.

Capitel con las tentaciones de Jesús. (Norte de Francia) 1.175-1.200 

Capitel. Tentaciones de Jesús 1. Francia (S.XII)

Probablemente originario de un arco del claustro, este capitel representa las tentaciones de Jesús. El orden narrativo no es secuencial: el diablo tienta a Jesús a convertir las piedras en pan; el diablo tienta a Jesús con los reinos del mundo; el diablo lleva a Jesús de espaldas a la cima del templo; el diablo tienta a Jesús a arrojarse desde lo alto del templo. El naturalismo de las formas del capitel, los pliegues de la ropa que define la anatomía de las figuras y la calidad narrativa viva de la presentación son todas características del emergente estilo gótico.

Capitel. Tentaciones de Jesús 2. 

Capitel. Tentaciones de Jesús 3. 

Capitel. Tentaciones de Jesús. 4

Capitel. Tentaciones de Jesús. 5 

Crucifijo. Norte de Italia. 1.200-1.220

Crucifijo. Italia (S.XIII)

En lugar de enfatizar su dolor y sufrimiento en la cruz, esta imagen presenta a Cristo en gloria, vivo, con los ojos bien abiertos. Lleva una túnica larga que connota su rango real y sacerdotal. Este tipo de crucifijo se conoce como el Volto Santo (Santo Rostro). Es una copia de una escultura en Lucca, Italia. El crucifijo de Lucca probablemente se hizo en los años 700, pero la leyenda medieval sostenía que fue hecho por Nicodemo, un discípulo de Jesús que presenció la crucifixión.

Columna estatua de San Hilario Galeata y Columna estatua de apóstol  Italia) S.XII

Izda. Columna Estatua de San Hilario de Galeata
Drcha. Columna Estatua de un Apóstol. Italia (S.XII)

La estatua de San Hilario, procede del claustro destruido de la abadía benedictina de Sait’Ellero di Galeata, Forlí, representa al santo patrón y fundador de la abadía. Con un hábito monástico y una tonsura (cabeza parcialmente afeitada), Saint Hilary (478–558) sostiene un pergamino escrito en latín que afirma los derechos de la abadía a los ingresos de un determinado territorio. Por lo tanto, la estatua del santo fundador funciona como una imagen del monasterio y de los derechos que reclama.
Las estatuas de columnas que muestran apóstoles comenzaron a aparecer en Francia y en el norte de Italia desde mediados del siglo XII en adelante. Demasiado grande para haber venido de un claustro, esta columna puede haber sostenido un púlpito o una tumba. El tipo de personaje y la gestualidad sugiere que la figura representa a San Pablo.

El sacerdote Aarón y Moisés con las tablas de la Ley (Francia) 1.170

El sacerdote Aarón. Francia (S.XII)

Moisés. Francia (S.XII)

Esta escultura de Aarón y la figura opuesta de Moisés forman parte de un raro conjunto de figuras clave de la Biblia hebrea. Simbólicamente prefiguran la redención ofrecida a través de la muerte sacrificial de Cristo, y con otras estatuas, originalmente flanquearon a una Virgen y un Niño entronizados que aún sobreviven en la catedral gótica de Noyon. Las esculturas se distinguen por prendas de tela gruesa dispuestas en volúmenes hinchados estirados alrededor del cuerpo. Aquí, el sacerdote levita Aarón se cubre la cabeza con un velo y sostiene un pergamino.
Moisés sostiene las tablas de los Diez Mandamientos. Después de su retirada de la catedral a raíz de la Revolución Francesa, las esculturas se vieron afectadas por diferentes condiciones ambientales.

Capitel doble  con máscaras y pájaros (Francia) 1.140-1.160

Capitel doble. Máscaras y pájaros. Francia (S.XII)

El escultor medieval transformó un capitel corintio, sustituyendo una cabeza por el rosetón que habría aparecido en el centro. Por un lado, es la cabeza de un hombre, por otro lado, un mono: quizás una advertencia de lo fácil que es pasar de la humanidad a la bestialidad.

Cimborrio. Nicolaus Ranucius y sus hijos, Johannes y Guitonne (Italia) 1.150

Cimborrio. Italia (S.XII)

Un cimborio (dosel del altar) protegía y agregaba foco al altar mayor de una iglesia. Aquí las formas arquitectónicas simples pero elegantes se realzan con mosaicos coloridos e incrustaciones de vidrio dorado. La familia Ranucio de trabajadores del mármol creó esta y otras obras para las iglesias del norte de Roma.

Rey en trono (Norte de Italia) 1.230-1.235

Rey en trono. Italia (S.XII)

Representa a un rey histórico, como Salomón, o una imagen alegórica del monarca como "la ley viva" (lex animata), esta imponente escultura debe de tener su origen en un importante monumento cívico del norte de Italia. Es un raro ejemplo superviviente de la imagen de un gobernante, esculpida para ser mostrada en un lugar público, como un tribunal de justicia o una puerta de la ciudad, y está estilísticamente relacionado con el trabajo del influyente escultor del norte de Italia Benedetto Antelami (1175– 1215). También muestra matices de los modelos franceses, especialmente con respecto a las características faciales y los delgados pliegues del manto.

Bibliografía:
- Medieval Art. A resource for educators. (The Metropolitan Museum Of Art)
- The Cloister. Medieval Art and Architecture (The Metropolitan Museum Of Art)
- www.metmuseum.org